Los beneficios de tocar en un grupo: lo que te enseña sobre la música
Los principales beneficios de tocar en un grupo son musicales. En un grupo aprendes a llevar el tempo con otras personas en lugar de con un metrónomo, a cumplir un papel dentro de un sonido que comparten varios instrumentos, a menudo tocando menos, a escuchar a todos los demás mientras tocas, a saber en todo momento en qué punto de la canción estás, a sacar canciones de oído y llevarlas a la tonalidad del cantante, y a seguir adelante después de un error. Estudiar a solas no puede enseñarte del todo ninguna de estas cosas, porque cada una depende de que otra persona esté tocando al mismo tiempo. El lado social también es real, y llega más abajo.
¿Por qué no se aprenden estas cosas estudiando a solas?
Estudiar a solas entrena lo que puedes hacer con tus propias manos: notas, técnica, lectura, repertorio. Un grupo entrena cómo encaja tu forma de tocar con la de otra persona, y esa es otra habilidad. Una grabación no te espera, un metrónomo no reacciona a ti, y ninguno de los dos cambia cuando tocas más fuerte o entras tarde. Los demás músicos sí. Casi todo lo que enseña un grupo es una respuesta a eso.
Llevar el tempo con personas, no con un metrónomo
Un metrónomo es perfectamente regular y nunca escucha. Un grupo nunca es perfectamente regular, y todos sus miembros están escuchando. Llevar el tempo en un grupo significa ponerse de acuerdo, momento a momento, con la gente que tienes alrededor sobre dónde está el pulso.
En la mayoría de los grupos la referencia es el batería, y el bajista se ajusta al batería. En mucho pop, rock y funk las notas del bajo caen junto con el bombo, de modo que los dos suenan como un solo instrumento en la base del grupo. Todos los demás escuchan hacia abajo, hacia esa pareja. Cuando no hay batería, normalmente asume el papel el bajo o la guitarra rítmica.
La regla que se deduce es sencilla: cuando el grupo y el batería no coinciden, sigue al batería, aunque el batería se esté desviando. Un grupo entero un poco rápido sigue sonando a grupo. Un grupo dividido entre dos tempos suena a error.
Practicar con clic sigue importando. Es la manera de descubrir si corres o te retrasas, y una tendencia constante a una de las dos cosas es más fácil de corregir que un tiempo desordenado. Lo que el clic no te puede dar es la experiencia de ajustarte a una persona, y eso es casi todo lo que los músicos quieren decir con tocar juntos, o cuando dicen que un grupo tiene groove.
Cada instrumento tiene un trabajo
A solas lo tocas todo: en un piano, la nota del bajo, el acorde y la melodía a la vez. En un grupo esos trabajos se reparten, y cada uno es de alguien.
- La batería lleva el tiempo y marca la forma de la canción.
- El bajo sostiene la base. Normalmente toca la fundamental de cada acorde, la nota que da nombre al acorde. La nota del bajo decide cómo suena el acorde entero: pon otra nota debajo del mismo acorde y se convierte en una inversión, o directamente en otro acorde.
- La guitarra y el teclado rellenan la armonía: los acordes, tocados como ritmo.
- El cantante, o un instrumento solista, lleva la melodía.
La lección que más sorprende a la gente es que encajar suele significar tocar menos. Un pianista que no deja de tocar notas graves con la mano izquierda duplica al bajista, o choca con él cada vez que no coinciden. Una guitarra y un teclado rasgueando acordes completos en el mismo registro se funden en un único sonido embarrado. La solución habitual es repartirse el espacio: el teclado deja las notas graves al bajo y toca menos notas, más arriba; una guitarra toca acordes mientras la otra toca una figura corta repetida. Los instrumentos comparten muchas de las mismas notas, así que en un grupo se distinguen por el registro, el ritmo y el sonido, y cada músico tiene que dejar sitio a los demás.
Escuchar mientras tocas: dinámica y espacio
En un grupo tienes que oír el sonido completo mientras produces tu propia parte, e ir ajustando sobre la marcha.
La dinámica es lo fuerte o lo suave que tocas. Muchas canciones son más tranquilas en la estrofa y más llenas en el estribillo, y un grupo solo lo consigue si todos se mueven a la vez. Si un músico se queda a todo volumen, no hay ningún cambio que oír.
El espacio es lo que dejas fuera. Mientras el cantante canta, los demás instrumentos suelen apartarse; una línea melódica corta, lo que se llama un relleno, va en los huecos entre las frases de la voz. Si tocas sin parar, las partes que importan no se oyen.
La prueba es si puedes oír al cantante mientras tocas. Si no puedes, probablemente estás tocando demasiado fuerte o demasiadas notas.
Saber en qué punto de la canción estás
A solas puedes pararte, perderte y volver a empezar. En un grupo la canción sigue avanzando, y todos tienen que cambiar de acorde en el mismo momento. Eso significa conocer la forma: el orden de las secciones y cuánto dura cada una.
Los músicos lo hacen contando compases. Muchas secciones de pop duran cuatro u ocho compases, así que cuentas los compases dentro de una sección igual que cuentas los tiempos dentro de un compás. Un redoble de batería suele marcar el final de una sección, y un gesto con la cabeza o una mirada le dice al grupo cuándo pasar al estribillo o al final.
El blues de doce compases es el ejemplo más claro. Sus acordes siguen un único plan fijo, I–I–I–I, IV–IV–I–I, V–IV–I–V, así que todos en la sala saben dónde están los demás sin decir una palabra, y dos músicos que no se conocen pueden tocar un blues juntos.
Sacar canciones de oído y llevarlas a la tonalidad del cantante
Los grupos suelen trabajar a partir de una grabación más que de una partitura. Alguien dice “vamos a hacer esta”, y aprendes tu parte escuchando: encuentras la tonalidad, sigues el bajo, deduces los acordes. Cada canción que aprendes así hace más rápida la siguiente, porque las mismas tonalidades y progresiones vuelven una y otra vez.
Luego, muchas veces la canción está en una tonalidad que no le va a tu cantante. Cada voz tiene una franja cómoda, su tesitura, más estrecha que su extensión completa. Una canción pensada para el cantante original puede quedarle demasiado aguda o demasiado grave al tuyo, así que el grupo sube o baja la canción entera: la transporta.
Transportar es mucho más fácil si piensas en los acordes como números en lugar de por sus nombres. I–V–vi–IV en Do mayor es Do, Sol, La menor, Fa. Subida dos semitonos, a Re mayor, la misma progresión es Re, La, Si menor, Sol. Los números siguen siendo los mismos y solo cambian los nombres de las notas. En la guitarra, la cejilla hace lo mismo de forma mecánica: con la cejilla en el segundo traste, las posiciones de Do mayor suenan en Re mayor.
Equivocarse sin pararse
A solas, un error es un motivo para pararte y corregirlo. En un grupo, pararse es el error más grave, porque la canción sigue sin ti y tienes que encontrar la manera de volver a entrar mientras avanza.
Así que aprendes el hábito del grupo: suelta la nota equivocada, sigue contando y vuelve a entrar en el siguiente primer tiempo, o en el siguiente cambio de acorde. Una nota equivocada que pasa a tempo a menudo ni se nota. Un músico que se para y vuelve a empezar se nota siempre. Los músicos que tocan con otros aprenden a recuperarse rápido, porque es la única manera de llegar al final de la canción.
¿Y los beneficios sociales?
Son reales, y además son los que cabría esperar. Haces música con amigos. Tienes una hora fija cada semana para tocar. Un ensayo el jueves es un motivo para estudiar el miércoles, porque otras personas cuentan con que te sepas tu parte. Un concierto, aunque sea pequeño, le da un objetivo al estudio.
Este artículo no repite afirmaciones sobre lo que los grupos le hacen al cerebro o a la confianza. Esas afirmaciones a menudo vienen sin fuente. Los beneficios musicales de arriba no la necesitan: puedes oír cómo ocurren desde el primer ensayo.
¿Cómo empezar si todavía no tocas lo bastante bien?
Lo primero que un grupo necesita de ti es un tempo estable y que sepas en qué punto de la canción estás, y eso depende menos de la técnica de lo que podrías pensar. Un principiante que toca tres acordes a tempo es más útil que un músico rápido que corre. Algunas maneras de empezar:
- Toca encima de grabaciones. No sustituye a las personas, porque la grabación no te va a esperar. Pero te entrena para seguir adelante, seguir la forma y encajar tu parte debajo de la de otro.
- Toca con un amigo. Una guitarra y una voz, o un teclado y un bajo, ya son un grupo. Elegid dos o tres canciones que conozcáis los dos, poneos de acuerdo en la tonalidad y tocadlas de principio a fin sin parar.
- Únete a una agrupación de aficionados. Los coros, las bandas municipales, los grupos del colegio o de la parroquia y los conjuntos para adultos principiantes suelen aceptar a gente que todavía está aprendiendo, y la música se elige pensando en el grupo.
- Ve a una jam session o a un micro abierto. Muchas jam sessions giran en torno a formas compartidas como el blues de doce compases, así que conocer esa forma y unas cuantas progresiones habituales te permite sacar adelante un número sorprendente de canciones.
Qué practicar antes de tu primer ensayo
Hay tres habilidades que se trasladan directamente a un grupo.
- Un tempo estable. La lección de fundamentos del ritmo explica el pulso, el compás y cómo contar. El ejercicio de marcar el ritmo te muestra si corres o te retrasas.
- Las progresiones habituales como números. La lección sobre las progresiones que todo el mundo usa trata el I–V–vi–IV, el ii–V–I y el blues de doce compases, los patrones que vas a encontrarte en casi cualquier jam, y por qué los números importan más que los nombres de los acordes.
- Extensión y tesitura. La lección de extensión y tesitura explica por qué una canción puede irle bien a un cantante y mal a otro, que es la razón por la que los grupos transportan.